Aclamado por su combinación de realismo con atmósfera y por su apreciación profundamente sensible del carácter, la obra de Diego Rodríguez de Silva y Velázquez representa la cima indiscutible del Siglo de Oro de la pintura española.

Nacido en Sevilla pero de origen portugués, Velázquez se convirtió en pintor de la corte de Felipe IV en 1623. Trabajador constante, utilizaba fundamentalmente colores sombríos. En 1628 conoció a Rubens y poco después realizó su primer viaje a Italia. Las obras que creó allí revelan un creciente interés tanto por la gama de colores como por el desnudo masculino.

Velázquez sólo regresó a Italia una vez más a finales de la década de 1640, dónde pintó su célebre retrato del Papa Inocencio X y su único desnudo femenino, la "Venus del espejo". Su grandeza reside quizás en sus estudios empáticos de los personajes, tales como los bufones compañeros de juegos de los niños de la familia real. El desgaste de la piel, la miseria y la mortalidad, así como el envejecimiento del abatido monarca, le preocuparon cada vez más en sus últimos años. El poder, la perspicacia y la técnica brillante de estas pinturas ejercieron una profunda influencia en artistas posteriores tales como Manet, Delacroix, Picasso y Bacon.

La belleza de la naturaleza y la soledad del hombre son temas dominantes en la obra de Caspar David Friedrich (1774-1840). El artista con frecuencia dispone una pequeña figura humana en un amplio paisaje, como en sus famosos lienzos Monje a la orilla del mar y El caminante sobre el mar de nubes. Durante mucho tiempo, la importancia y la influencia de este gran pintor romántico fueron subestimadas. Cuando murió, Friedrich había sido olvidado ya por sus coetáneos y no fue redescubierto hasta principios del siglo xx. Actualmente, se le considera el pintor alemán más importante de su generación y un precursor del expresionismo.

En una ocasión, Friedrich dio el siguiente consejo a un artista compañero suyo en la escuela que se sentía limitado por las normas académicas: «Cierra tus ojos para poder ver tu cuadro primero con tu alma. Luego, da luz a lo que veías en la oscuridad para que ejerza su efecto en otros desde fuera hacia dentro». Es decir, concentración y no imitación, esencia y no frívola técnica pictórica.

Alberto Durero (1471-1528), polímata del Renacimiento alemán, fue un prolífico artista, teórico y escritor cuyas obras lo exploraron todo, desde la religión hasta la teoría del arte, incluyendo la filosofía. Su ingente producción artística comprende retablos, retratos, autorretratos, acuarelas y libros. Sin embargo, es famoso fundamentalmente por su increíble colección de grabados en madera que otorgaron categoría de nueva forma de arte a lo que se consideraba como una práctica artesana. Los grabados en madera de Durero maravillaron tanto por sus dimensiones como por su detalle. Con trabajos como Apocalipsis y el Arco de Triunfo para el emperador Maximiliano I, creó obras de mayor tamaño, una técnica mucho más precisa y una complejidad muy superior a la de cualquier esfuerzo previo en ese campo. En composiciones densas y meticulosas, amplió la gama cromática y dinámica, aportando un nuevo nivel de intensidad conceptual, emocional y espiritual en una evolución que se inicia con el famoso grabado El Caballero, la Muerte y el Diablo y tiene de colofón Melancolía I, a menudo citada como una imagen temprana que define un estado melancólico o depresivo. Durero, un ser curioso por naturaleza, adoptó ideas de maestros y artistas contemporáneos tanto en Alemania como en Italia, y su propia influencia dejó huella en varias generaciones por toda Europa. En este libro imprescindible de TASCHEN estudiamos la compleja técnica de esta figura pionera, su intelecto omnívoro y las obras clave que conformaron su perdurable legado.

La belleza de la naturaleza y la soledad del hombre son temas dominantes en la obra de Caspar David Friedrich (1774-1840). El artista con frecuencia dispone una pequeña figura humana en un amplio paisaje, como en sus famosos lienzos Monje a la orilla del mar y El caminante sobre el mar de nubes. Durante mucho tiempo, la importancia y la influencia de este gran pintor romántico fueron subestimadas. Cuando murió, Friedrich había sido olvidado ya por sus coetáneos y no fue redescubierto hasta principios del siglo xx. Actualmente, se le considera el pintor alemán más importante de su generación y un precursor del expresionismo.

En una ocasión, Friedrich dio el siguiente consejo a un artista compañero suyo en la escuela que se sentía limitado por las normas académicas: «Cierra tus ojos para poder ver tu cuadro primero con tu alma. Luego, da luz a lo que veías en la oscuridad para que ejerza su efecto en otros desde fuera hacia dentro». Es decir, concentración y no imitación, esencia y no frívola técnica pictórica.

Los ángulos agudos, las formas extrañas, los colores llamativos y las perspectivas distorsionadas son los elementos definidores clásicos del expresionismo, el movimiento del siglo XX que priorizó la emoción frente a la realidad objetiva. Pese a tener una presencia más destacada en Alemania y Austria, el movimiento floreció en todo el mundo y hoy se considera uno de los periodos artísticos más influyentes en la historia del arte.

Con Die Brücke (El puente) y Der Blaue Reiter (El caballero azul) como grupos destacados y figuras clave como Wassily Kandinsky, Egon Schiele y Emil Nolde, los expresionistas desdeñaron el impresionismo, al cual acusaron de haber «reducido al hombre a la posición de grabador del mundo exterior», y optaron por retratar, en su lugar, la experiencia pura y visceral de la vida plasmando las emociones que generaba y no lo que se veía en la superficie. Sus pinturas rebosan fuerza emotiva, que transmiten, en concreto, a través de paletas de colores intensos y no naturalistas, pinceladas vagas y texturas densas.

Este libro introductorio, cuyo foco de atención son las tendencias estilísticas del grupo, sus influencias y sus figuras más destacadas, explora el abanico de sensaciones, ideas y emociones de los expresionistas y su búsqueda constante de una autenticidad profunda.

Enc. en tapa dura de la editorial con sobrecubiertas. Folio. 504 pp. Muy buen ejemplar. Magníficamente ilustrado en color. Taschen, editorial. Barcelona, 2005.
Las miniaturas de los manuscritos medievales, sobre todo los códices iluminados de la Edad Media, ejercen una singular fascinación en el observador actual. Este libro induce en el mundo de la iluminación medieval y presenta 167 de los manuscritos iluminados más bellos, importantes y probablemente también más famosos de entre los años 400 y 1600. Hasta la fecha no existía un cuadro comparativo de los códices más hermosos realizados a lo largo de doce siglos. Por mucho que el centro de gravedad parezca estar en Europa, al menos 23 códices de Persia, Turquía o la India demuestran el florecimiento de la iluminación oriental.Los códices se presentan y describen siguiendo un orden cronológico. Para cada manuscrito se presenta una sinopsis con la información más relevante sobre fecha de confección, formato, extensión, lengua, contenido, miniaturista, iluminación, donante, localización, etc., que facilite una orientación básica a simple vista. Siempre que ha sido posible, se han reproducido las páginas de los manuscritos y las miniaturas en su formato original. Para transmitir el vistoso colorido de los originales, se han impreso 212 páginas con oro, como color añadido a la cuatricromía. Y para que nadie se olvide que se trata de miniaturas de manuscritos y no de pinturas sobre tabla, se reproducen 66 páginas dobles. En el apartados “Biografías de los artistas” se encuentran datos sobre la vida y obra de los miniaturistas, en el glosario se explican los términos utilizados, mientras que la bibliografía incluye lectura complementaria.